色彩作为中国工笔画视觉语言的核心要素，不仅关乎画面的形式美感，更承载着深厚的美学思想与哲学意涵。传统“六法”中的“随类赋彩”并非简单的色彩匹配，而是融合自然观察、文化象征与主观情思的综合性设色原则。然而，在当前高校工笔画教学中，色彩教学长期处于边缘化地位，多被简化为技法训练或西式色彩理论的套用，导致学生在创作中普遍存在色彩认知模糊、传统体系理解不足、理论与实践脱节等问题。
本文基于对多所艺术院校工笔画课程的调研，系统梳理学生在色彩学习中的典型困难，剖析其背后的教学理念偏差与知识结构缺失。在此基础上，提出以“观念引导—体系建构—实践转化”三位一体的教学模式，强调将中国传统色彩观（如五行五色、阴阳调和）与现代视觉经验相结合，通过经典临摹、主题性设色训练与跨媒介实验等方法，实现“随类赋彩”原则的当代教学转化。研究认为，强化色彩教学不仅是提升学生创作能力的关键，更是传承中国绘画精神内核、构建本土化美术教育体系的重要路径。
关键词： 工笔画教学；色彩教学；随类赋彩；中国画色彩体系；教学改革；高校美育
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一、引言：色彩的双重属性与中国工笔画教学的现实困境
在中国绘画体系中，色彩从来不是孤立的视觉元素，而是与线条、构图、意境共同构成“气韵生动”的有机整体。谢赫“六法”提出“随类赋彩”，确立了中国画设色的基本原则。这一原则既要求画家尊重物象的自然属性（“类”），又赋予其主观表达的空间（“赋”），体现出“天人合一”的哲学思维与“意象造型”的审美取向。
工笔花鸟画作为中国画的重要门类，尤重色彩的表现力。从唐代李思训的青绿山水到宋代院体花鸟的“轻粉晕染”，从明清恽寿平的“没骨设色”到近现代于非闇的“古艳风格”，历代画家在色彩运用上积累了丰富的实践经验与理论智慧。然而，在当代高等美术教育体系中，工笔画的色彩教学却面临诸多挑战。
笔者通过对中央美术学院、中国美术学院、南京艺术学院等十余所高校工笔画课程的实地调研与师生访谈发现，当前工笔画教学普遍存在“重线轻色”“重技轻理”的倾向。色彩教学多依附于临摹或创作课时，缺乏独立、系统的课程设置；教学内容常局限于颜料使用、分染技法等操作层面，忽视对中国传统色彩哲学的深入阐释；部分教师直接引入西方色彩学理论（如冷暖对比、补色关系）进行指导，导致学生在创作中陷入“中西混杂”“语义混乱”的困境。这些问题严重制约了学生对工笔画色彩本质的理解与创造性运用。
因此，如何在高校教学中重构工笔画色彩教学体系，使其既传承传统精髓，又回应当代创作需求，成为亟待解决的重要课题。
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二、学生在工笔画色彩学习中的主要困难分析
通过对300余名本科与研究生阶段工笔画专业学生的问卷调查与作业分析，本文归纳出学生在色彩学习与实践中存在的五大典型困难：
色彩认知的“去文化化”倾向
多数学生将色彩理解为纯粹的视觉现象，缺乏对其文化象征意义的敏感度。例如，在绘制梅花时，仅知“红梅”“白梅”之别，却不知红色象征坚韧、白色寓意高洁；在表现荷花时，能准确调出粉红色，却难以理解“出淤泥而不染”的设色逻辑。这种“去文化化”的认知，使色彩沦为装饰性元素，丧失其精神承载功能。
“随类赋彩”的误读与僵化应用
学生普遍将“随类赋彩”简单理解为“按物象本来颜色上色”，导致创作趋于机械复制。在写生作业中，常见学生严格对照实物照片调色，不敢越雷池一步，结果画面呆板、缺乏生气。更有甚者，因过度追求“真实”，使用丙烯、水彩等非传统材料，破坏了工笔画的材质美感。
传统色彩体系的知识缺失
调查显示，超过70%的学生不了解“五色体系”（青、赤、黄、白、黑）与“五行”（木、火、土、金、水）的对应关系，不熟悉“正色”与“间色”的等级秩序，亦未接触过《营造法式》《芥子园画谱》等典籍中的设色规范。这种知识断层，使学生在面对传统经典作品时，无法理解其配色背后的哲学逻辑。
中西色彩理论的混淆与冲突
在同时接受西方色彩学训练的背景下，学生常将“明度”“纯度”“冷暖”等概念直接套用于工笔画创作，导致画面出现“紫藤用冷光、牡丹打侧影”等违背传统审美的处理。部分学生试图融合中西，但因缺乏深层理解，往往造成色彩语言的“拼贴化”与“失语症”。
实践转化能力薄弱
学生在临摹阶段尚能较好掌握分染、罩染、接染等技法，但在自主创作中，常出现色彩搭配单调、层次不清、主次不分等问题。尤其在处理复杂题材（如群鸟、繁花）时，难以建立有效的色彩秩序，导致画面“花”“乱”“腻”。
这些困难表明，当前工笔画色彩教学已不能满足学生从“技法掌握”到“艺术表达”的进阶需求，亟需系统性的教学改革。
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三、问题根源：教学理念与知识结构的双重缺失
上述问题的产生，源于高校工笔画教学在理念与结构上的深层缺陷。
首先，教学理念上存在“技术中心主义”偏差。许多教师仍将工笔画视为“技艺型”课程，认为“线条是骨架，色彩是衣服”，因而将教学重点放在勾线、渲染等基本功训练上，色彩仅作为附属环节。这种观念忽视了色彩在情感表达、意境营造中的主导作用，导致教学目标矮化。
其次，课程设置缺乏系统性与独立性。目前鲜有高校开设专门的“中国画色彩学”或“工笔画设色研究”课程，色彩知识散见于《中国美术史》《画论选读》《工笔临摹》等课程中，缺乏整合与深化。学生难以形成完整的知识框架，只能零散吸收。
再次，理论与实践脱节。教学中常见“先讲理论，后做实践”的线性模式，但理论讲授多停留于概念阐释，缺乏与具体作品的结合；实践环节则侧重技术操练，缺少观念引导。学生“知其然不知其所以然”，难以实现知识迁移。
最后，评价标准单一化。作业评价多以“像不像”“匀不匀”为标准，忽视对色彩象征性、节奏感、创新性的考量。这种导向进一步强化了学生对“技术正确”的追求，抑制了其主观表达的勇气。
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四、路径重构：构建“三位一体”的工笔画色彩教学新模式
针对上述问题，本文提出以“观念引导—体系建构—实践转化”为核心的“三位一体”教学模式，旨在实现传统色彩智慧的当代教育转化。
（一）观念引导：重塑“色彩即思想”的教学理念
教学应首先引导学生认识色彩的文化属性与哲学内涵。可通过专题讲座、经典导读等方式，阐释“随类赋彩”中的“类”不仅是物象类别，更是文化类型；“赋”不仅是涂抹，更是“赋予意义”。结合《周易》《礼记》《文心雕龙》等典籍，讲解“五色观”与宇宙秩序、社会等级、人格理想的关联，使学生理解色彩是“道”的显现。
（二）体系建构：搭建“传统—现代”融合的知识框架
建议增设《中国画色彩学》必修课程，内容涵盖：
传统部分：五色体系、正间色制度、矿物/植物颜料特性、历代名家设色风格（如赵昌之“写生敷彩”、恽寿平之“色中见笔”）；
比较部分：中西色彩观对比（如“随类赋彩”vs.“固有色”“条件色”）、传统平涂与西方明暗的差异；
现代部分：当代工笔画色彩创新案例（如蒋采苹的岩彩探索、陈湘波的都市色调）。
通过知识图谱、时间轴、案例对比等可视化工具，帮助学生建立系统认知。
（三）实践转化：设计阶梯式、主题化的训练体系
经典临摹中的色彩解码
要求学生在临摹宋元名作时，不仅复制形色，更要分析其设色逻辑。例如，临《芙蓉锦鸡图》时，需回答：“为何锦鸡用朱砂而非橙红？背景为何留白而非渲染？”通过“设色笔记”形式，深化理解。
主题性设色训练
设置“四时花卉”“君子题材”“宗教意象”等主题，要求学生根据文化象征选择色彩。如“秋菊”必须体现“宁可枝头抱香死”的悲壮感，鼓励使用沉稳的赭石、墨绿，而非明快的柠檬黄。
跨媒介色彩实验
引导学生尝试岩彩、金箔、拼贴等新材料，探索传统色彩的现代表达。例如，用金属光泽表现“富贵牡丹”，用粗颗粒矿物颜料表现“风霜老梅”，拓展色彩的表现维度。
创作中的色彩规划
在毕业创作前期，要求提交《色彩方案书》，包括主色调、象征寓意、层次设计、材料选择等，强化色彩的主动性与计划性。
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五、结语：走向文化自觉的工笔画色彩教育
高校工笔画教学中的色彩问题，表面是技术难题，实质是文化传承的危机。在全球化与视觉文化多元并存的今天，中国工笔画若要保持其独特价值，必须重建以“随类赋彩”为核心的色彩话语体系。
本文提出的教学改革路径，旨在扭转“重线轻色”的惯性思维，将色彩教学从边缘推向中心，从技术升华为思想。唯有如此，学生才能真正理解：工笔画中的每一片叶子、每一瓣花，其色彩不仅是眼睛所见，更是心灵所感、文化所赋。当“随类赋彩”不再是一句空泛的画论，而成为学生创作中的自觉选择，中国工笔画的文脉才得以在新时代延续与光大。
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